Resumen
Laura Letinsky nació Winipeg, Canadá en 1962. Estudió arte la universidad de Manitoba y se especializó en la de Yale. Actualmente es profesora en el departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chicago.
Partiendo de la sobrecarga de estímulos en los bodegones publicitarios que inundan las revistas, especialmente femeninas, Letinsky reduce al mínimo sus elementos, creando imágenes casi blancas.
En sus bodegones, la ansiedad consumista queda definida, y suspendida.
Con su fotografía, Letinsky exhibe una más que interesante investigación conceptual sobre qué es la fotografía, cómo se construye y cuál es su relación con la realidad.
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Untitled #60, from the series Hardly More Than Ever, 2002
© Laura Letinsky
A lo largo de casi veinte años, la fotógrafa canadiense Laura Letinsky se ha dedicado a fotografiar bodegones tan inusuales como llamativos. Se inauguró con la serie «Hardly More Than Ever» (tal vez mi proyecto favorito hasta la fecha) y desde entonces sus composiciones se caracterizan por entablar diálogos de contemplación y serenidad con el espectador.
En algunas de sus fotografías se pueden observar reminiscencias de la pintura holandesa del XVII. En ellas encontramos sobre todo alimentos, pero también objetos domésticos y elementos efímeros colocados de una manera intrigante, que genera tensión. El resultado es un conjunto de imágenes que a nivel denotativo resultan totalmente familiares debido a los elementos que contienen, pero que connotativamente resultan ambiguas y extrañas. Gran parte de su trabajo despierta pensamientos sobre el consumo, los desperdicios, la avaricia o la decadencia de nuestra sociedad.⠀
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Éstas, son imágenes que resumen toda la belleza en la imperfección. Gracias a su comprensión y búsqueda de la luz y al trabajo realizado generalmente con cámara de gran formato, Letinsky es capaz de conseguir capturar fotografías de mucho encanto y detalle, sobre las que gusta pasear la vista observando cada pliegue, cada textura, y tratando de averiguar cómo en un espacio tan reducido se puede estar hablando, a nivel conceptual, de grandes distancias.⠀
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Untitled #21, from the series Ill Form and Void Full, 2011
© Laura Letinsky
Letinsky trabaja el bodegón con el significado que a través de la historia siempre ha tenido: la naturaleza temporal, perecedera y frágil de alimentos, traducida simbólicamente en la mortalidad humana. Lo hace con todo un contenido técnico estilístico y estético que apela a lo sensorial y que busca la belleza estilizada con formas sofisticadas y a veces no muy comprensibles por un espectador poco entrenado. La fotógrafa canadiense se basa en un gran conocimiento sobre la Historia del Arte y la cultura clásica y contemporánea, planteando un sofisticado cuestionamiento sobre el medio fotográfico y la naturaleza muerta como género. ⠀
Sus fotografías nos obligan a ver las cosas desde otro prisma, pensárnoslo dos veces, adoptar otra perspectiva ante algo. Literalmente nos está indicando que miremos otra vez, con mayor atención.
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Untitled # 49 from the Hardly More Than Ever series, 2002
©Laura Letinsky
De-Construir la imagen se ha convertido en una especie de nuevo género fotográfico. Letinsky parte de la sobrecarga de estímulos en los bodegones publicitarios que inundan las revistas (especialmente femeninas) y reduce al mínimo sus elementos, creando imágenes casi blancas.
Alude constantemente a la desestética como estrategia feminista utilizando en algunas ocasiones recortes de revistas en los que aparecen elementos clásicos del bodegón como flores, alimentos o vajillas y los muestra casi flotando o , como vemos en esta imagen con objetos reales, al borde del abismo en equilibrios que se nos antojan casi imposibles. En estos bodegones, la ansiedad consumista queda definida, y suspendida.
Letinsky, que como ya sabéis es profesora desde 1994 en el Departamento de Arte Visual en la Universidad de Chicago, en la misma línea que otras autoras como Uta Barth, nos muestra en sus fotografías el resultado de una investigación conceptual sobre qué es la fotografía, cómo se construye y cuál es su relación con la realidad.
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Untitled #3, from the series Hardly More Than Ever, 1997
©Laura Letinsky
El origen del género de naturaleza muerta, bodegón, vanitas, still life… se remonta a las pinturas de comida que se pueden encontrar en las paredes de las antiguas tumbas egipcias, las cuales estaban destinadas a mantener a los muertos en el más allá. También podemos observar esta tradición de inmortalizar comida, flores y utensilios en las paredes de algunas villas en las ruinas de Pompeya.
Desde tiempo inmemorial, la naturaleza muerta ha seducido a los artistas, pero también al resto de humanos. Zurabrán, Morandi, Sánchez Cotan e inmumerables fotógrafos desde el inicio de este arte hasta nuestros tiempos, se han sentido atraídos por el género, aunque de entre todos ellos y ellas, muy pocos han sabido sondear la exquisitez de la ansiedad que nos genera la no existencia, la misma muerte, como Laura Letinsky.
En los últimos años, Letinsky ha construido un portfolio que te invito a visionar con tranquilidad. Está lleno de una melancolía, que se expresa en los desperdicios que han quedado abandonados sobre mesas manchadas, arrugadas y llenas de migas. Indicios todos de una intimidad, que fue disfrutada de forma abundante e irreprimible. En las fotografías de Laura Letinsky la vida y la muerte se sientan calladas a la mesa ante nuestra mirada.
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Untitled #114, from the series Hardly More Than Ever, 2003
©Laura Letinsky
Los objetos de Letinsky, fotografiados con ternura, claridad y palpabilidad atmosférica, extraen un significado estético de una deliberada confusión entre lo ordinario y lo extraordinario. Su Untitled # 55 registra un espacio que es profundamente táctil e íntimo: Una mesa recubierta de un mantel blanco, arrugado y, sobre ella, varios recipientes traslúcidos que contienen agua jugando a estar en un equilibrio inquietante muy cerca de los bordes.
El espacio es confinado, al alcance relajado de la mano y el cuerpo, pero sin embargo vibra con sensibilidad y energía en parte a causa de la luz que ilumina la escena. Surge tensión entre el comportamiento casual de objetos tan prosaicos y el discernimiento de la artista.
Estas escenas se desarrollan a partir de elecciones estéticas destiladas, no son solo objetos desordenados. Como tales, proporcionan una solución interesante a un dilema planteado repetidamente por los artistas a lo largo del siglo pasado: cómo resucitar lo Sublime de los ritmos humildes de la vida cotidiana.
Os dejo con esa reflexión para dar vueltas a la cabeza. Gracias por leer y gracias, siempre, por compartir.
